miércoles, 23 de mayo de 2012

1 CARACTERISTICAS DEL ROMANTICISMO MUSICAL

El Romanticismo es una reacción contra el espíritu racional y crítico de la Ilustración y el Clasicismo, y favorecía, ante todo:
  • Menor preocupación por la forma externa y mayor por la inspiración y fuerza expresiva.
  • Estilo melódico de mayor riqueza, con una melodía apasionada e intensa y una calurosa expresión de los sentimientos.
  • Frases melódicas menos regulares y simétricas que en el Clasicismo. Desaparición de la frase cuadrada.
  • Ritmos complejos y libres, llegando a la polirritmia.
  • Enriquecimiento armónico, basado en el uso de nuevos acordes y en nuevos recursos para la modulación, con el fin de crear un mayor efecto expresivo.

Es propio de este movimiento un gran aprecio de lo personal, un subjetivismo e individualismo absoluto, un culto al yo fundamental y al carácter nacional o Volksgeist, frente a la universalidad y sociabilidad de la Ilustración en el siglo XVIII; en ese sentido los héroes románticos son, con frecuencia, prototipos de rebeldía y los autores románticos quebrantan cualquier normativa o tradición cultural que ahogue su libertad, como por ejemplo las tres unidades aristotélicas y la de estilo, o revolucionando la métrica y volviendo a rimas más libres y populares como la asonante. Igualmente, una renovación de temas y ambientes, y, por contraste al Siglo de las Luces, prefieren los ambientes nocturnos y luctuosos, los lugares sórdidos y ruinosos; venerando y buscando tanto las historias fantásticas como la superstición.

2 LAS AVENTURAS DEL JOVEN WERTHER

Las desventuras del joven Werther se presenta como una colección de cartas escritas por Werther, un joven artista de temperamento sensible y apasionado, y dirigidas a su amigo Wilhelm. En estas cartas, Werther revela datos íntimos de su estancia en el pueblo ficticio de Wahlheim donde queda encantado por las tradiciones simples de los campesinos. Conoce y se enamora de Lotte una hermosa joven que cuida a sus hermanos después de la muerte de su madre. Desafortunadamente, Lotte ya está comprometida con Albert, un hombre once años mayor que ella. Werther cultiva una amistad íntima con Charlotte y Albert a pesar de la pena que esta relación le produce, pena que finalmente le lleva a abandonar Walheim para dirigirse a Weimar. Allí conoce a Fräulein von B. Werther sufre una gran pena al enterarse de la boda de Lotte y Albert.

3 LAS SINFONIAS DE J. BRAHMS

JohannesBrahms.jpgBrahms compuso canciones para voz y piano a lo largo de toda su vida, y es uno de los más importantes representantes de la corriente del Lied alemán. Casi todas ellas son canciones sueltas, no agrupadas en ciclos, con excepciones como el ciclo de La Bella Magelone, o las Canciones gitanas. En sus canciones, Brahms utiliza textos muy variados, que abarcan desde poemas de los grandes clásicos alemanes, como Goethe, hasta poetas contemporáneos como su amigo Klaus Groth. Brahms fue un gran maestro en este género, probablemente en el que expresó sus sentimientos íntimos con más facilidad. Las canciones de Brahms se caracterizan por la riqueza de su armonía, una perfecta unidad entre texto y música, y aunque encontramos una inmensa variedad, predominan las que muestran un carácter nostálgico y otoñal que se ha asociado a este músico. Es difícil encontrar ejemplos que destaquen del conjunto, pero se puede mencionar Del amor eterno, la célebre Canción de cuna, Canción de lluivia, Nostalgia, o El ruiseñor. Son muy representativas del estilo de Brahms las Dos canciones para contralto, viola y piano. También compuso una serie importante de Volkslieder o canciones compuestas sobre melodías populares. Una de sus últimas obras son las Cuatro Canciones Seria sobre textos de la Biblia que van desde Salomón hasta San Pablo, en las cuales encontramos también las características de su estilo tardío. Como se ha comentado, el registro ideal para la interpretación de las canciones de Brahms es el intermedio, especialmente en la voz de contralto, recordando además que Brahms sentía predilección por los registros medios en instrumentos como la viola, la trompa o el clarinete.

4 EL PIANO ROMANTICO: COMPOSITORES PARA PIANO

Durante gran parte del Barroco y del Clasicismo, el violín fue el instrumento musical más importante. Después, durante el siglo XIX, los músicos románticos prefirieron el piano por su capacidad para la matización dinámica y por sus posibilidades sonoras.
Surgió la figura del «virtuoso instrumental», capaz de interpretar piezas de extremada dificultad técnica.
Asimismo se escribieron muchas obras para piano que, en la mayor parte de los casos, eran piezas cortas, libres, de carácter improvisado, denominadas con títulos evocadores: romanza, fantasía o preludio. En muchas ocasiones, esas piezas se reúnen en series bajo un título común, por ejemplo Carnaval, de Schumann, o como colecciones de danzas, como los Valses, Mazurcas y Polonesas de Chopin.
Hasta el estudio, originalmente compuesto como pieza didáctica, pasa ahora a ser considerado apto para el concierto.
Hacia finales del siglo XIX, el piano, gracias a sus importantes innovaciones técnicas, llegó a ser el instrumento musical por excelencia.

viernes, 18 de mayo de 2012

4.1 ALBENIZ, FALLA Y GRANADOS

ALBENIZ
Isaac Albéniz, 1901.jpg
A pesar de ser un famoso compositor de piano, Isaac Albéniz de ningún modo se limitó a la música para dicho instrumento. De hecho, dedicó más de una década de sus casi cuarenta y nueve
años en vida a escribir temas para teatro como su más exitoso trabajo operístico, Pepita Jiménez interpretar conciertos o la grabación de su ópera Merlín, mientras que intermitentemente durante su carrera escribió canciones más de dos docenas así como varios temas orquestales y de cámara.
Isaac Albéniz, nació en Camprodón, Gerona, el 29 de mayo de 1860, hijo de Ángel Lucio Albéniz y Gauna y de su primera mujer María de los Dolores Pascual. Tuvo tres hermanas: Blanca Albéniz y Pascual; Clementina Albéniz y Pascual, casada con Víctor Ruiz y Rojo y madre de Víctor Ruiz Albéniz y de Sara Ruiz Albéniz; y Enriqueta Albéniz y Pascual. Su padre casó segunda vez en 1901 con María Romero y Cebrián.
FALLA
ManuelDeFalla.JPG
Manuel de Falla y Matheu fue un compositor nacionalista español. Con Isaac Albéniz, Joaquín Rodrigo, Enrique Granados y Joaquín Turina es uno de los músicos más importantes de la primera mitad del siglo XX en España. Nació el 23 de noviembre de 1876 en el domicilio familiar de la Plaza de Mina número 3 en Cádiz, hijo de José María Falla y Franco y de María Jesús Matheu y Zabala. Recibió sus primeras lecciones de solfeo de mano de su madre, intérprete de piano, y su abuelo. A los 9 años de edad continuó sus estudios musicales con una profesora de piano llamada Eloísa Galluzo. Además su nodriza le enseñó nanas y canciones populares que dejaron huella en él. En 1889 prosiguió sus estudios de piano con Alejandro Odero y aprendió armonía y contrapunto con Enrique Broca. A los quince años sus intereses eran principalmente la literatura y el periodismo.
GRANADOS 
Granados.jpgEnrique Granados, fue un compositor y pianista español. Es conocido por su obra pianística, especialmente para la suite Goyescas, en el que basó también la ópera del mismo nombre. Creó la escuela de piano en Barcelona, que ha producido figuras tan relevantes como Frank Marshall y Alicia de Larrocha. Suele encuadrársele en el neo-romanticismo por su vinculación estilística con el piano de Chopin, Schubert, Schumann y Edvard Grieg. Murió en el naufragio de la nave Sussex, en el Canal de la Mancha, al ser torpedeada por la armada alemana en el transcurso de la Primera Guerra Mundial.

miércoles, 16 de mayo de 2012

4.1 EL PIANO ROMANTICO: COMPOSITORES PARA PIANO

MAX REGER
Está considerado como el primer compositor moderno del piano. Los puntos culminantes de su producción para este instrumento son dos obras de variaciones, la primera, op. 81, sobre un tema de la Cantata número 128 de Bach, la otra sobre un tema de Telemann; aquélla, de una gran exuberancia armónica y de una expresión mística; ésta, de un virtuosismo sumamente brillante ambas de carácter monumental y de una dificultad técnica extraordinaria. Mucho más fáciles son los cuatro cuadernos De mi Diario y las cuatro Sonatinas. Como músico rigurosamente, escribió en un estilo avanzadísimo en el aspecto armónico-modula-torio, sin abandonar, no obstante, las bases tonales; con ello inició la música moderna en su país, aunque se nota en su producción, al principio, la influencia de Schumann, Grieg y particularmente de Brahms; aun en su última colección de piezas pianísticas, Sueños junto a la chimenea, se pueden observar los vestigios del estilo brahmsiano.

4.2 LIZT Y CHOPIN

LISZT
Franz Liszt by Nadar, March 1886.pngFue un compositor húngaro romántico, un virtuoso pianista y profesor. Su nombre en húngaro era Liszt Ferencz, según el uso moderno Liszt Ferenc, y desde 1859 hasta 1865 fue conocido oficialmente como Franz Ritter von Liszt. Liszt se hizo famoso en toda Europa durante el siglo XIX por su gran habilidad como intérprete. Sus contemporáneos afirmaban que era el pianista técnicamente más avanzado de su época y quizás el más grande de todos los tiempos. También fue un importante e influyente compositor, un profesor de piano notable, un director de orquesta que contribuyó significativamente al desarrollo moderno del arte.
CHOPIN
Frederic Chopin photo.jpegFue un compositor y virtuoso pianista polaco considerado como uno de los más importantes de la historia. Su perfecta técnica, su refinamiento estilístico y su elaboración armónica han sido comparadas históricamente con las de Johann Sebastian Bach, Franz Liszt y Ludwig van Beethoven por su perdurable influencia en la música de tiempos posteriores. La obra de Chopin representa el Romanticismo musical en su estado más puro.

viernes, 11 de mayo de 2012

5. LA ORQUESTA POST ROMANTICA Y DE PRIN. DEL S.XX

A finales del siglo XIX encontramos ya la gran orquesta sinfónica, de enormes proporciones, tal y como será empleada en muchas obras del siglo XX y hasta nuestros días. En esta orquesta los instrumentos de viento madera pasan de ser tres a ser cuatro de cada tipo, y en algunas ocasiones incluso más. En los metales se emplean al menos seis trompas, y como mínimo tres trompetas, aunque no falta repertorio musical para muchas más de tres trompetas. Los trombones siguen siendo aquí tres o a veces cuatro, y en ocasiones para reforzar aún más los graves se emplean dos tubas en vez de una.


Junto a una cuerda muy numerosa, los instrumentos de percusión se emplean en esta plantilla orquestal de forma masiva, proporcionando una variedad tímbrica no utilizada hasta entonces en la orquesta. Arpa y piano se suelen incorporar también de manera permanente.

miércoles, 9 de mayo de 2012

5.1 MALHER, STRAUSS, WAGNER

MALHER
Fue un compositor y director de orquesta bohemio-austriaco. Sus composiciones están consideradas entre las más importantes del postromanticismo.
En las primeras décadas del siglo XX, Gustav Mahler era considerado uno de los más importantes directores de orquesta y de ópera de su momento. Después de graduarse en el Conservatorio de Viena en 1878, fue sucesivamente director de varias orquestas cada vez más importantes en diversos teatros de ópera europeas, llegando en 1897 a la que entonces se consideraba la más notable la dirección de la Ópera de la Corte de Viena. Durante sus diez años en la capital austriaca, Mahler judío coverso al catolicismo para asegurarse su puesto sufrió la oposición y hostilidad de la prensa antisemita. Sin embargo, gracias a sus innovadoras producciones y a la insistencia en los más altos niveles de representación se granjeó el reconocimiento como uno de los más grandes directores de ópera. Posteriormente, fue director de la Metropolitan Opera House y de la Orquesta Filarmónica de Nueva York.
STRAUSS
Strauss3.jpg
Fue un destacado compositor y director de orquesta alemán cuya larga trayectoria abarca desde el Romanticismo tardío hasta la mitad del siglo XX. Es conocido particularmente por sus óperas, poemas sinfónicos y Lieder. Strauss, junto con Gustav Mahler, representa el extraordinario florecimiento tardío del Romanticismo germánico después de Richard Wagner, en el cual un desarrollo elaborado y complejo de la orquestación se une a un estilo armónico avanzado. La música de Strauss influyó profundamente en el desarrollo de la música del siglo XX.
WAGNER
RichardWagner.jpg
Fue un compositor, director de orquesta, poeta, ensayista, dramaturgo y teórico musical aleman del Romanticismo. Destacan principalmente sus óperas en las que, a diferencia de otros compositores, asumió también el libreto y la escenografía.
Inicialmente fundamentó su reputación como compositor en obras como El holandés errante y Tannhäuser que seguían la tradición romántica de Weber y Meyerbeer. Transformó el pensamiento musical con la idea de la, la síntesis de todas las artes poéticas, visuales, musicales y escénicas, que desarrolló en una serie de ensayos entre 1849 y 1852, y que plasmó en la primera mitad de su monumental tetralogía El anillo del nibelungo.

viernes, 4 de mayo de 2012

5.2 STRAVINSKI: LA CONSAGRACION DE LA PRIMAVERA

La consagración de la primavera es un ballet en dos actos basado en la Rusia pagana, con música del compositor ruso Ígor Stravinski y coreografía de Vaslav Nijinsky creado para los Ballets Rusos de Sergéi Diágilev. Es una de las obras más revolucionarias y trascendentales de toda la música clásica por sus innovaciones en armonía, ritmo y timbre. Fue estrenada en París en el Théâtre des Champs-Élysées el 29 de mayo de 1913 con Pierre Monteux como director de orquesta. Tuvo gran rechazo en su época, provocando que en el segundo acto se tuviera que contener al público

6 SEGUNDA ESCUELA DE VIENA

La atonalidad y el dodecafonismo, o música serial, fueron dos formas musicales cuyo origen se situó en Viena, en la llamada Segunda Escuela, y cuyos máximos representantes fueron Anton Webern, Alban Berg y Arnold Schönberg, allá por los primeros años del s. XX. Autores de obras que marcaron un antes y después sobre una forma de hacer música que supondría la ruptura total con la tonalidad (expresión musical de escalas mayores y menores utilizada hasta entonces por todos los compositores del período clásico y romántico).

miércoles, 2 de mayo de 2012

7-¿QUE ES EL IMPRESIONISMO MUSICAL?

El Impresionismo musical es un movimiento musical surgido a finales del siglo XIX y principios del XX sobre todo en la música francesa, con la necesidad de los compositores de probar nuevas combinaciones de instrumentos para conseguir una mayor riqueza en el tímbre. En el Impresionismo musical se da mucha importancia a los timbres, con los que se consiguen diferentes efectos. También se caracteriza porque los tiempos no son lineales sino que se ejecutan en sucesión de impresiones. Se relaciona de esta manera con el Impresionismo pictórico, que conseguía las imágenes mediante pequeñas pinceladas de color. Dos de los principales compositores de este movimiento son Claude Debussy y Maurice Ravel.

miércoles, 18 de abril de 2012

INDICE:
1.    El siglo de la ilustracion
1.1  La razon frente a la experiencia
2.    La primera escuela de Viena: Haydn, Beethoven y Mozart
2.1  El cuarteto de cuerda de Haydn 
2.2  La sinfonia de Beethoven
2.3  Las operas de Mozart 

martes, 17 de abril de 2012

1. EL SIGLO DE LA ILUSTRACIÓN

La ilustracion fue una epoca historica y un movimiento cultural e intelectual europeose desarrolló desde fines del siglo XVII hasta el inicio de la Revolución francesa, aunque en algunos países se prolongó durante los primeros años del siglo XII. Se consideraba que todo lo antiguo se enmarcaba en un ambiente de oscuridad  y que la nueva ideología que llegaba eran las "luces", que iluminaba al mundo. Esta era en parte una visión exagerada, ya que el pensamiento europeo del siglo XVIII no venía de las tinieblas sino de un proceso gradual producto de las transformaciones ocurridas en las sociedades europeas desde muchos siglos atrás.

viernes, 13 de abril de 2012

1.1 LA RAZON FRENTE A LA EXPERIENCIA

El racionalismo es una corriente filosófica que se desarrolló en la Europa continental durante los siglos XVII y XVIII, formada por René Descartes, que se complementa con el empirismo, y que es el sistema de pensamiento que acentúa el papel de la razón en la adquisición del conocimiento, en contraste con el empirismo, que resalta el papel de la experiencia sobre todo el sentido de la percepción.
El racionalismo epistemológico ha sido aplicado a otros campos de la investigación filosófica. El racionalismo en ética es la afirmación de que ciertas ideas morales primarias son innatas en la especie humana y que tales principios morales son evidentes en sí a la facultad racional. El racionalismo en la filosofía de la religión afirma que los principios fundamentales de la religión son innatos o evidentes en sí y que la revelación no es necesaria, como en el deísmo. Desde finales del siglo XIX, el racionalismo ha jugado sobre todo un papel antirreligioso en la teología.

2 LA PRIMERA ESCUELA DE VIENA: HAYDN, BEETHOVEN Y MOZART

Es una corriente estilitica de la musica clasica europea. A ella pertenecian Haydn, Beethoven y Mozart.Algunas fuentes incluyen a Franz Schubert como parte de esta Escuela y no reconocen el nombre de "Primera Escuela de Viena" aludiendo que no se trata de una escuela propiamente dicha. Mantienen que el término fue creado retrospectivamente y en exclusiva como resultado del nombre "Segunda Escuela de Viena" que se quiso dar a la Moderna Escuela de Viena.

2.1 EL CUARTEO DE CUERDA DE HAYDN

El cuarteto de cuerda de Haydn se centra en el libro del profesor Marin con el objetivo principal de dar a conocer las razones por las que la extraordinaria aportacion de Haydn en el cuarteto de cuerda se alla convertido en uno de los monumentos de la musica occidental. Tambien constituye, junto con la sinfonía para orquesta y la sonata para piano, uno de los principales géneros instrumentales que han vertebrado la historia de la música occidental en los últimos tres siglos.

miércoles, 28 de marzo de 2012

2.2 SINFONIAS DE BEETHOVEN

La primera sinfonia que compusa Beethoven la escribio a los 30 años, destaca por la originalidad al inicio  pues arranca con un acorde distinto a la tonalidad principal de do mayor. La segunda la escribio en 1803 Después del estreno, los críticos notaron la ausencia del minueto y dijeron que la composición tenía mucho poder pero que era demasiado excentrica. 2 años despues compuso su tercera sinfonia en mi mayor llamada Eroica y dura 2 veces mas que cualquier otra de la epoca. La cuarta la escribio en si mayor en 1806 y recupera la frescura de las dos primeras. En 1808 compuso su quinta sinfonia en do menor destaca principalmente por la construcción de los cuatro movimientos basados en el motivo rítmico formado por tres corcheas y una negra. La sexta en fa mayor conocida como Pastoral. La septima en la mayor aparece en 1813 casi un año despues de su composicion. La octava es una sinfonia mas alegre y desenfrenada. La novena es la ultima y la escribio en 1824, su orquestacion y duracon es mayor que la de la Eorica.

martes, 27 de marzo de 2012

2.3 LAS OPERAS DE MOZART

Mozart compuso 22 operas en diferentes generos musicales de su época derivadas de las que compuso en su juventud.Tres de las obras fueron abandonadas antes de terminar su composición y no fueron representadas hasta muchos años después de la muerte de Mozart. La flauta magica es una opera de 2 actos de Mozart sobre un liobreto de Schikaneder y fue estrenada en Viena en 1791. Fue la ultima obra teatral de Mozart y no fue escrita para la corte sino para un pequeño teatro popular de los arrabales de Viena dirigido por el autor y actorEmmanuel Schikaneder.

3. CRITIA MUSICAL

martes, 13 de marzo de 2012

INDICE:
1. ¿Que entendemos por musica antigua?
2. Instrumentos musicales del Barroco
3. Caracteristicas estilisticas
3.1 Nacimiento de la opera
3.2 El estilo musical de Rameau
4. Compositores principales
4.1 J.S.Bach
4.1.1 Critica musical: concierto numero 2 de Brandenburgo
4.1.2 El clave bien temperado
4.1.3 Variaciones Globery: Glem Gold
4.2 Handel
4.2.1 El estilo coral de Handel
4.3 Vivaldi
4.3.1 Concierto de virtuosismo: Las 4 estaciones 

viernes, 9 de marzo de 2012

1. ¿QUE ENTENDEMOS POR BARROCO MUSICAL?

Se trata de una de las épocas musicales más largas y fecundas de la música occidental. Sus características más definitorias son el uso del bajo continuo y el gusto por los fuertes contrastes sonoros, materializado en la policoralidad y el estilo concertante. Este gusto por el contraste y algunas otras de sus características son compartidas por el movimiento homónimo en las artes plásticas: profusión en el uso de ornamentación, teatralidad, dramatismo, utilización como medio para la pompa y esplendor en los espectáculos públicos, etc.
Durante el Barroco los músicos siguen cultivando texturas a cuatro y cinco voces heredadas del Renacimiento pero las voces de dichas obras no son ya de similar importancia, sino que se destacan la voz superior y el bajo, abreviándose la escritura de las intermedias en el llamado bajo continuo; esta textura suele llamarse bipolar o de monodía acompañada.
La aparición de la monodía acompañada fue precipitada por la creación del estilo vocal recitativo, en el cual el ritmo de la palabra determina el discurso melódico. La música ha de ser sirviente de la poesía, quedando reducido el acompañamiento a meros acordes.

2. INSTRUMENTOS MUSICALES DEL BARROCO

Los instrumentos musicales se desarrollaron en el barroco a partir del instrumentarium multicolor del renacimiento. Se inventan pocos instrumentos nuevos y a cambio se perfeccionan algunos para la deseada expresion del afecto. Encontramos entre otros:

En la musica culta:Violin, viola, violonchelo, laud, guitarra, tiorba, arpa, clave, organo, flauta, trompeta, trompa, timbal.

En la musica popular:Violin tenor, zanfoña, guitarra, dulcemen, gumbarda, flauta suiza, flageolett, chirimia, gaita, cromorno, tambor, castañuelas, xilofono, cencerro, carraca...

En el primer barroco hay numerosos instrumentos de lengueta que desaparecen a excepcion del oboe y chadumeau.

3. CARACTERISTICAS ESTILISTICAS

En esta época se desarrollan como nuevas formas la sonata, el concerto grosso, la ópera, el oratorio y el ballet francés, y se vive además un auge de la música instrumental pura, es decir, sin relación con consideraciones ideológicas que se deriven de un texto, o funcionales como en el caso de la música de danza.
A diferencia de épocas anteriores, la música sacra y la música profana conviven armoniosamente, formando parte de la profesión musical. La mayor permisividad estética lleva a que la interpretación musical tienda a enriquecer las partes mediante una profusión de ornamentos y recursos expresivos. Una característica importante fue que los detalles del arte en el Barroco no se aplicaron a la música. Se buscó en un principio desechar las complicadas líneas melódicas de la polifonía renacentista para dar lugar a la homofonía, dando de esta manera más fortaleza y protagonismo al texto, pues la música giraba en torno a una sola melodía bien formada y acompañada por acordes, para que fuera  el texto. Esto fue debido en gran parte a la corriente humanista.
Tienen gran importancia la teoría de los afectos, que considera a la música como creadora de emociones, y la retórica, que transfiere conceptos de la oratoria tradicional a la composición del discurso musical del Barroco.
Finalmente, cabe señalar que la música en esta época estaba abierta a cambios y adaptaciones. Muchos compositores creaban nuevas obras adaptando o reescribiendo con algunas modificaciones partituras anteriores, siendo estos cambios en la misma partitura o en las combinaciones de instrumentos. En la música vocal, los cantantes tenían varias partes donde podían improvisar.

miércoles, 7 de marzo de 2012

3.1 NACIMIENTO DE LA OPERA


El texto Nacimiento y madurez de la ópera   es un escrito que obvio nos habla de la historia de la opera pero además lo mezcla con otros autores importantes de distintas ramas como la filosofía y la música. Es ahí cuado nos damos cuenta que el mundo es muy pequeño, personajes que nosotros podemos ubicar fácilmente por algunas creaciones importantes que contribuyeron al pensamiento humanos. Son personas que estuvieron vinculadas con gente igualmente trascendental pero dentro de un género totalmente distinto.
Este texto parece más como un libro de chismes (con categoría) que nos platica de la vida intima de esos personajes históricos. Es u trabajo bien logrado ya que entre une a esos personajes importantes, ¿Quién se iba a imaginar que Wagner y Nietzsche eran muy amigos pero por sus distintas carreras tenían algunas diferencias importantes,   pero a la vez esas distintas profesiones era lo que los única? o que el padre de Galileo Galilei escribía cantos.
La ópera   es considerada un espectáculo completo sobre algún escenario, contiene actuación (distintos géneros), música, cantos-diálogos. Una declamación cantada que responde a la expresión de los sentimientos   y que toma el lenguaje como modelo de canto. La música se mezclaba en todas las representaciones escénicas del Medievo: juegos, misterios e intermedios.

3.2 IDEAS FILOSOFICAS DEL BARROCO: LAS PASIONES HUMANAS

El siglo XVII  surge el barroco, etapa la cual se caracterizó por, en general, una tensión entre contrastes irreconciliables. Fue una etapa muy irregular, tanto en el arte como en la vida real, a veces la sociedad de ese entonces se encontraba con una vitalidad ostentosa, mientras que al  mismo tiempo que surgieron movimientos monásticos que daban la espalda al mundo. Es por eso que ha esta etapa es llamada barroco, ya que su significado es irregular lo que describe perfectamente el que vivía la sociedad. Aspecto político y social:Se caracterizó por grandes diferencias de clases. Existencia una elite muy poderosa, y en extremo, un pueblo que vivía en la miseria. En la política, sucedía lo mismo, el continente estuvo dividido entre guerras de católicos y protestantes.Aspecto Cultural y Artístico: El símbolo más importante fue el teatro. El teatro era visto por la gente de esa época como una imagen de la vida humana. Por lo que existieron frases como “la vida es un teatro”. Destacan grandes obras de Shakespeare, el cual también es uno de los símbolos más importante de es época. Existieron otros movimientos culturales como la poesía de Calderón de la barca, Ludvig Holberg, entre otros. Aspecto filosófico: La filosofía del barroco se caracterizó por fuertes contrastes entre maneras de pensar. Por un lado los idealistas (la existencia era de naturaleza espiritual), y por otro los materialistas (filosofía que reduce todos los fenómenos de la naturaleza a magnitudes concretas). El materialista más importante fue Thomas Hobbes (S.XVII). Es durante esta época que se da una mayor preencia a estas corrientes filosóficas. Cuando se empezó a ver todo el mundo con leyes empezó la visión mecánica del mundo, y sobre esto el filósofo Lammetrie escribió un libro. Leibniz dijo que la diferencia entre lo material se diferencia de lo espiritual en que lo material se puede dividir en dos, no es como un pensamiento que no se puede dividir.

martes, 6 de marzo de 2012

4 COMPOSITORES PRINCIPALES

Son 494 las obras que se conservan escritas por Bach para distintos instrumentos. Como ya se ha comentado, el compositor abarcó todos los géneros musicales, por lo que su obra instrumental se compone de cánones, sinfonías y suites orquestales, conciertos para instrumentos solistas y orquesta, sonatas para instrumentos solistas o con bajo continuo, o para trío, suites y partitas para instrumento solo, fugas, obras teóricas especulativas, preludios, tocatas, fantasías, ejercicios para pedal de órgano, pasacalles, canciones, arias, pastorales, corales, dúos, invenciones o caprichos. No hubo nada que escapara a la curiosidad y el afán de compilar y ordenar que caracterizaban al maestro de Leipzig. Toda la música instrumental, excepto los corales para órgano, es profana, y mcuha de ella, especialmente, la destinada al teclado, de carácter didáctico, como El clave bien temperado BWV 846-893 y la serie de las suites inglesas-francesas y partitas compuestas por Bach para enseñar el arte de la composición a su hijo Wilhelm Friedemann Bach.

4.1 J.S.BACH

Johann Sebastian Bach fue un organista, clavecinista y compositor alemán de música del Barroco, miembro de una de las familias de músicos más extraordinarias de la historia, con más de 35 compositores famosos y muchos intérpretes destacados.
Su reputación como organista y clavecinista era legendaria, con fama en toda Europa. Aparte del órgano y del clavecín, también tocaba el violín y la viola de gamba, además de ser el primer gran improvisador de la música de renombre.
Su fecunda obra es considerada como la cumbre de la música barroca. Se distinguió por su profundidad intelectual, su perfección técnica y su belleza artística, y además por la síntesis de los diversos estilos internacionales de su época y del pasado y su incomparable extensión. Bach es considerado el último gran maestro del arte del contrapunto, donde es la fuente de inspiración e influencia para posteriores compositores y músicos desde Mozart pasando por Schoenberg, hasta nuestros días.

Sus obras más importantes están entre las más destacadas y trascendentales de la música clásica y de la música universal. Entre ellas cabe mencionar los Conciertos de Brandeburgo, el Clave bien temperado, la Misa en si menor, la Pasión según San Mateo, El arte de la fuga, La ofrenda musical, las Variaciones Goldberg, la Tocata y fuga en re menor, las Cantatas sacras 80, 140 y 147, el Concierto italiano, la Obertura francesa, las Suites para violonchelo solo, las Sonatas y partitas para violín solo y las Suites orquestales.

miércoles, 29 de febrero de 2012

4.1.1 CRITICA: CONCIERTO NUMERO 2 DE BRANDEMBURGO

Se trata del concierto numero 2 de Brandemburgo J.S. Bach que es una obra creada por instrumentos de cuerda pulsada, (violin, viola, violonchelo y contrabajo) tambien esta compuesta por instrumentos de viento metal y viento madera (oboe, flauta y trompeta). Los que mas predominan en esta obra son: el violin que es el mas pequeño de estos instrumentos y el que tiene un sonido mas agudo que los demas, la viola que es casi igual que el violin solo que un poco mas grande, tambien esta el violonchelo que es uno de los mas grandes de esta familia y se apolla sobre una punta alargada de madera en el suelo y por ultimo el mas grande pero no mucho mas que el violoncheloesta el contrabajo que es el mas grabe y mas grande de esta familia, tambien suena mas fuerte aunque no se escuche mucho mas que en momentos precisos de la obra y un poco flojo como si se quisiera esconder del resto de instrumentos. Los de viento son: el oboe que es el mas grabe quesuena pero tambien el mas grande de viento madera, la flauta tiene un sonido mas agudo y dulce y por ultimo la trompeta que es de viento metal y para tocar todas sus notas solo precisa de tres teclas alargadas en la parte superior. Se trata de una melodia culta por que tiene un sonido que suena en las peliculas de las fiestas de la gente rica e importante y culta apasionados por el arte. Creo que entre los diferentes tipos de texturas que existen como la homofonica, contrapuntistica y alternancia entre varias me he decantado por la contrapuntistica puesto que los instrumentos puesto que los instrumentos que suenanunos de otros diferentes melodias. Tambien entre los diferentes procedimientos compositivos que eran variacion, repeticion e imitacion me he decantado por variacion puesto que no hay mucha repeticion en toda la obra. Se trata de un movimiento o tempo allegro lo que quiere decir que es una obra con un tempo rapido que despierta las mentes dormidas  y da energia. Se producen multiples cambios de intensidad a lo largo de la obra lo que quiere decir que cambia constantemente de forte a piano. Esta obra produce unas emociones que se pueden relacionar con felicidad, alegria ... pero tambien hace que la gente se concentre en lo que se supone que tendrian que estar haciendo en ese preciso momento y despierta las mentes dormidas.

Esta obra es muy inspiradora y para realizar la critica musical me he apollado en los instrumentos que escucho de cuerda y viento lo que me parece una obra imaginativa y preciosa que hace que la gente en general se sienta feliz, contenta ... para alegrarles el dia y en mi opinion es una obra preciosa que inspira a la vez que alegra a las personas que la estan escuchando. 

4.1.2 EL CLAVE BIEN TEMPERADO


El Clave bien temperado o el Clavecín bien templado es el nombre de dos ciclos de preludios y fugas compuestos por Johann Sebastian Bach en todas las tonalidades mayores y menores de la gama cromática.
Como mucha de la música de Bach, ninguno de los dos volúmenes fueron publicados en vida. Y también como mucha de su música, se conoce la fecha en que fueron compilados, pero no las fechas en que fueron compuestos, por lo que existen diversas especulaciones al respecto. Lo que sí sabemos es que el primer volumen fue terminado y compilado por Bach en 1722, aunque su primera impresión no llegará hasta mucho después de muerto Bach, en 1801. El segundo volumen fue terminado y compilado en 1744, si bien también es probable, por el estilo, que muchos de los preludios y fugas de este segundo volumen estuviesen compuestos antes de compilar el primero.

martes, 28 de febrero de 2012

4.1.3 VARIACIONES GOLBERY: GLEM GOLD

Variaciones Goldberg es el nombre de una composición musical para teclado cuya composición fue completada por el compositor barroco alemán Johann Sebastian Bach en 1741.
La obra, que fue denominada originalmente por el autor Aria con variaciones diversas para clave con dos teclados, fue compuesta cuando Bach era cantor en la iglesia de Santo Tomás de Leipzig y fue publicada como la cuarta parte del Clavier-Übung.

Glenn Gould, fue un pianista canadiense, especialmente reconocido como intérprete de las sonatas y de las Variaciones Goldberg de Bach, así como de las obras pianísticas de Arnold Schönberg.
Nacido en Toronto en el seno de una familia de músicos (el padre era aficionado; la madre profesional), Gould aprendió a tocar el piano con esta última, que tocaba además el órgano. Su abuelo era primo de Edvard Grieg. Fue a la escuela Royal Conservatory of Music cuando tenía diez años de edad, convirtiéndose en el discípulo más famoso del pianista chileno Alberto Guerrero.

4.2 HANDEL

HAENDEL.pngFue un compositor alemán, posteriormente nacionalizado inglés, considerado una de las cumbres del Barroco y uno de los más influyentes compositores de la música occidental y universal. En la historia de la música, es el primer compositor moderno en haber adaptado y enfocado su música para satisfacer los gustos y necesidades del público, en vez de los de la nobleza y de los mecenas, como era habitual.

Considerado el sucesor y continuador de Henry Purcell, marcó toda una era en la música inglesa siendo el compositor más importante entre Purcell y Elgar en Inglaterra. Es el primer gran maestro de la música basada en la técnica de la homofonía y el más grande dentro del ámbito de los géneros de la ópera seria italiana y el oratorio.
Su inmenso legado musical, síntesis de los estilos alemán, italiano, francés e inglés de la primera mitad del siglo XVIII, incluye obras en prácticamente todos los géneros de su época, donde 43 óperas, 26 oratorios y un legado coral son lo más sobresaliente e importante de su producción musical.

4.2.1 EL ESTILO CORAL DE HANDEL

Los oratorios de Händel son un tipo de óperas sacros. En el caso de El Mesías, como que no hay acción dramática, la historia es descrita en una especie de contemplación con devoción, alcanzando, pese a todo, [clímaxs] expresivos en corazones como "He [trusted] in [God]", "[Hallelujah]" y el último "Aman".
El estilo coral de Händel nunca no muestra un sistema polifónico consistente, como la mayoría de composiciones de Bach; Haendel alterna un bloque lleno de armonía con secciones polifónicas. Estas secciones son siempre claras y llenas de expectación en su formación temática, y transparentes en su totalidad polifónica.
De Dublín en Londres y de Londres en el resto de Europa y a todas las salas de conciertos y festivales de los cinco continentes, El Mesías ha sido, es y posiblemente será por muchos años el oratorio [mése] popular, amado e interpretado arreo del mundo.
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El estilo coral de Händel nunca no muestra un sistema polifónico consistente, como la mayoría de composiciones de Bach; Haendel alterna un bloque lleno de armonía con secciones polifónicas. Estas secciones son siempre claras y llenas de expectación en su formación temática, y transparentes en su totalidad polifónica.
De Dublín en Londres y de Londres en el resto de Europa y a to dalas salas de conciertos y festivales de los cinco continentes, El Mesías ha sido, es y posiblemente será por muchos años el oratorio [mése] popular, amado e interpretado arreo del mundo.

viernes, 24 de febrero de 2012

4.3 VIVALDI

Vivaldi nació el 4 de Marzo de 1678, el mismo día en que un fuerte temblor estremeció la ciudad de Venecia. Sus padres fueron Giovanni Battista Vivaldi y Camilla Calicchio. Fue el primogénito de la pareja, que luego tuvo cinco hijos más.

Vivaldi no vivió siempre en Venecia. Su actividad en La “Pietá” fue dejada y retomada por lo menos tres veces. Viajó a Mantua, donde vivió durante el periodo comprendido entre los años 1719 y 1722, ocupando el cargo de Director Musical de la Corte; luego estuvo en Roma para presentar alguna de sus óperas y tocar como solista de violín en presencia del Papa.También viajó al extranjero, especialmente a Alemania y Holanda, en calidad de violinista, de director de orquesta y de empresario de sus propias obras. Contrataba cantantes y músicos, dirigía los ensayos, comerciaba con los instrumentos y controlaba los ingresos de dinero.

4.3.1 CONCIERTOS DE VIRRTUOSISMO "LAS 4 ESTACIONES"

Las cuatro estaciones es el título de un libro de cuatro conciertos para violín y orquesta  del compositor italiano Antonio Vivaldi.Se trata de una obra descriptiva o programática que evoca, a través de elementos de lenguaje musical, distintos aspectos de las estaciones del año.

En estos cuatro conciertos se encuentran ejemplificadas todas las características anteriormente descritas del concierto barroco. Se trata de obras musicales únicamente para ser escuchadas; bien definidos los contrastes de tiempo, pues cada concierto está dividido en tres partes: tempo rápido-lento-rápido; el elemento dinámico contrastante está cubierto por el efecto del eco; se tiene a un virtuoso solista que, acompañado solamente por el ''basso'' continuo, enfrenta a toda la orquesta y, por último, se cumple con la justificación artística de imitación de la naturaleza.

viernes, 17 de febrero de 2012

INDICE
1.    ¿Qe entendemos por muica antigua?
2.    El canto gregoriano
3.    Instrumentos antiguos
4.    Notacion musical
5.    Musica antigua en España
5.1. Representantes principales
5.2. Jordi Savall
5.3. Critica musical
6.    Musica antigua en Aragon

miércoles, 1 de febrero de 2012

1 ¿QUE ENTENDEMOS POR MUSICA ANTIGUA?

Generalmente se designa como Música antigua a la Música clásica europea compuesta antes de 1750, aproximadamente. No debe confundirse con la Música en La Antigüedad.


La música en la Antigüedad es la historia de la música de la Edad Antigua y también de la que se producía en periodos anteriores, no históricos, a pesar de que para unos periodos habrá testimonios escritos y para otros únicamente los restos de la cultura material ligada a la música.
No debe confundirse con el concepto de Música antigua, que se utiliza de forma equivalente a la música clásica anterior al siglo XVIII y limitada geográficamente a Europa Occidental.