1 CARACTERISTICAS DEL ROMANTICISMO MUSICAL

El Romanticismo es una reacción contra el espíritu racional y crítico de la Ilustración y el Clasicismo, y favorecía, ante todo:

• Menor preocupación por la forma externa y mayor por la inspiración y fuerza expresiva.

• Estilo melódico de mayor riqueza, con una melodía apasionada e intensa y una calurosa expresión de los sentimientos.
• Frases melódicas menos regulares y simétricas que en el Clasicismo. Desaparición de la frase cuadrada.
• Ritmos complejos y libres, llegando a la polirritmia.
• Enriquecimiento armónico, basado en el uso de nuevos acordes y en nuevos recursos para la modulación, con el fin de crear un mayor efecto expresivo.

Es propio de este movimiento un gran aprecio de lo personal, un subjetivismo e individualismo absoluto, un culto al yo fundamental y al carácter nacional o Volksgeist, frente a la universalidad y sociabilidad de la Ilustración en el siglo XVIII; en ese sentido los héroes románticos son, con frecuencia, prototipos de rebeldía y los autores románticos quebrantan cualquier normativa o tradición cultural que ahogue su libertad, como por ejemplo las tres unidades aristotélicas y la de estilo, o revolucionando la métrica y volviendo a rimas más libres y populares como la asonante. Igualmente, una renovación de temas y ambientes, y, por contraste al Siglo de las Luces, prefieren los ambientes nocturnos y luctuosos, los lugares sórdidos y ruinosos; venerando y buscando tanto las historias fantásticas como la superstición.

2 LAS AVENTURAS DEL JOVEN WERTHER

Las desventuras del joven Werther se presenta como una colección de cartas escritas por Werther, un joven artista de temperamento sensible y apasionado, y dirigidas a su amigo Wilhelm. En estas cartas, Werther revela datos íntimos de su estancia en el pueblo ficticio de Wahlheim donde queda encantado por las tradiciones simples de los campesinos. Conoce y se enamora de Lotte una hermosa joven que cuida a sus hermanos después de la muerte de su madre. Desafortunadamente, Lotte ya está comprometida con Albert, un hombre once años mayor que ella. Werther cultiva una amistad íntima con Charlotte y Albert a pesar de la pena que esta relación le produce, pena que finalmente le lleva a abandonar Walheim para dirigirse a Weimar. Allí conoce a Fräulein von B. Werther sufre una gran pena al enterarse de la boda de Lotte y Albert.

3 LAS SINFONIAS DE J. BRAHMS

Brahms compuso canciones para voz y piano a lo largo de toda su vida, y es uno de los más importantes representantes de la corriente del Lied alemán. Casi todas ellas son canciones sueltas, no agrupadas en ciclos, con excepciones como el ciclo de La Bella Magelone, o las Canciones gitanas. En sus canciones, Brahms utiliza textos muy variados, que abarcan desde poemas de los grandes clásicos alemanes, como Goethe, hasta poetas contemporáneos como su amigo Klaus Groth. Brahms fue un gran maestro en este género, probablemente en el que expresó sus sentimientos íntimos con más facilidad. Las canciones de Brahms se caracterizan por la riqueza de su armonía, una perfecta unidad entre texto y música, y aunque encontramos una inmensa variedad, predominan las que muestran un carácter nostálgico y otoñal que se ha asociado a este músico. Es difícil encontrar ejemplos que destaquen del conjunto, pero se puede mencionar Del amor eterno, la célebre Canción de cuna, Canción de lluivia, Nostalgia, o El ruiseñor. Son muy representativas del estilo de Brahms las Dos canciones para contralto, viola y piano. También compuso una serie importante de Volkslieder o canciones compuestas sobre melodías populares. Una de sus últimas obras son las Cuatro Canciones Seria sobre textos de la Biblia que van desde Salomón hasta San Pablo, en las cuales encontramos también las características de su estilo tardío. Como se ha comentado, el registro ideal para la interpretación de las canciones de Brahms es el intermedio, especialmente en la voz de contralto, recordando además que Brahms sentía predilección por los registros medios en instrumentos como la viola, la trompa o el clarinete.

4 EL PIANO ROMANTICO: COMPOSITORES PARA PIANO

Durante gran parte del Barroco y del Clasicismo, el violín fue el instrumento musical más importante. Después, durante el siglo XIX, los músicos románticos prefirieron el piano por su capacidad para la matización dinámica y por sus posibilidades sonoras.

Surgió la figura del «virtuoso instrumental», capaz de interpretar piezas de extremada dificultad técnica.

Asimismo se escribieron muchas obras para piano que, en la mayor parte de los casos, eran piezas cortas, libres, de carácter improvisado, denominadas con títulos evocadores: romanza, fantasía o preludio. En muchas ocasiones, esas piezas se reúnen en series bajo un título común, por ejemplo Carnaval, de Schumann, o como colecciones de danzas, como los Valses, Mazurcas y Polonesas de Chopin.

Hasta el estudio, originalmente compuesto como pieza didáctica, pasa ahora a ser considerado apto para el concierto.

Hacia finales del siglo XIX, el piano, gracias a sus importantes innovaciones técnicas, llegó a ser el instrumento musical por excelencia.

4.1 ALBENIZ, FALLA Y GRANADOS

ALBENIZ

A pesar de ser un famoso compositor de piano, Isaac Albéniz de ningún modo se limitó a la música para dicho instrumento. De hecho, dedicó más de una década de sus casi cuarenta y nueve

años en vida a escribir temas para teatro como su más exitoso trabajo operístico, Pepita Jiménez interpretar conciertos o la grabación de su ópera Merlín, mientras que intermitentemente durante su carrera escribió canciones más de dos docenas así como varios temas orquestales y de cámara.
Isaac Albéniz, nació en Camprodón, Gerona, el 29 de mayo de 1860, hijo de Ángel Lucio Albéniz y Gauna y de su primera mujer María de los Dolores Pascual. Tuvo tres hermanas: Blanca Albéniz y Pascual; Clementina Albéniz y Pascual, casada con Víctor Ruiz y Rojo y madre de Víctor Ruiz Albéniz y de Sara Ruiz Albéniz; y Enriqueta Albéniz y Pascual. Su padre casó segunda vez en 1901 con María Romero y Cebrián.
FALLA

Manuel de Falla y Matheu fue un compositor nacionalista español. Con Isaac Albéniz, Joaquín Rodrigo, Enrique Granados y Joaquín Turina es uno de los músicos más importantes de la primera mitad del siglo XX en España. Nació el 23 de noviembre de 1876 en el domicilio familiar de la Plaza de Mina número 3 en Cádiz, hijo de José María Falla y Franco y de María Jesús Matheu y Zabala. Recibió sus primeras lecciones de solfeo de mano de su madre, intérprete de piano, y su abuelo. A los 9 años de edad continuó sus estudios musicales con una profesora de piano llamada Eloísa Galluzo. Además su nodriza le enseñó nanas y canciones populares que dejaron huella en él. En 1889 prosiguió sus estudios de piano con Alejandro Odero y aprendió armonía y contrapunto con Enrique Broca. A los quince años sus intereses eran principalmente la literatura y el periodismo.

GRANADOS 

Enrique Granados, fue un compositor y pianista español. Es conocido por su obra pianística, especialmente para la suite Goyescas, en el que basó también la ópera del mismo nombre. Creó la escuela de piano en Barcelona, que ha producido figuras tan relevantes como Frank Marshall y Alicia de Larrocha. Suele encuadrársele en el neo-romanticismo por su vinculación estilística con el piano de Chopin, Schubert, Schumann y Edvard Grieg. Murió en el naufragio de la nave Sussex, en el Canal de la Mancha, al ser torpedeada por la armada alemana en el transcurso de la Primera Guerra Mundial.

4.1 EL PIANO ROMANTICO: COMPOSITORES PARA PIANO

MAX REGER

Está considerado como el primer compositor moderno del piano. Los puntos culminantes de su producción para este instrumento son dos obras de variaciones, la primera, op. 81, sobre un tema de la Cantata número 128 de Bach, la otra sobre un tema de Telemann; aquélla, de una gran exuberancia armónica y de una expresión mística; ésta, de un virtuosismo sumamente brillante ambas de carácter monumental y de una dificultad técnica extraordinaria. Mucho más fáciles son los cuatro cuadernos De mi Diario y las cuatro Sonatinas. Como músico rigurosamente, escribió en un estilo avanzadísimo en el aspecto armónico-modula-torio, sin abandonar, no obstante, las bases tonales; con ello inició la música moderna en su país, aunque se nota en su producción, al principio, la influencia de Schumann, Grieg y particularmente de Brahms; aun en su última colección de piezas pianísticas, Sueños junto a la chimenea, se pueden observar los vestigios del estilo brahmsiano.

4.2 LIZT Y CHOPIN

LISZT

Fue un compositor húngaro romántico, un virtuoso pianista y profesor. Su nombre en húngaro era Liszt Ferencz, según el uso moderno Liszt Ferenc, y desde 1859 hasta 1865 fue conocido oficialmente como Franz Ritter von Liszt. Liszt se hizo famoso en toda Europa durante el siglo XIX por su gran habilidad como intérprete. Sus contemporáneos afirmaban que era el pianista técnicamente más avanzado de su época y quizás el más grande de todos los tiempos. También fue un importante e influyente compositor, un profesor de piano notable, un director de orquesta que contribuyó significativamente al desarrollo moderno del arte.

CHOPIN

Fue un compositor y virtuoso pianista polaco considerado como uno de los más importantes de la historia. Su perfecta técnica, su refinamiento estilístico y su elaboración armónica han sido comparadas históricamente con las de Johann Sebastian Bach, Franz Liszt y Ludwig van Beethoven por su perdurable influencia en la música de tiempos posteriores. La obra de Chopin representa el Romanticismo musical en su estado más puro.

5. LA ORQUESTA POST ROMANTICA Y DE PRIN. DEL S.XX

A finales del siglo XIX encontramos ya la gran orquesta sinfónica, de enormes proporciones, tal y como será empleada en muchas obras del siglo XX y hasta nuestros días. En esta orquesta los instrumentos de viento madera pasan de ser tres a ser cuatro de cada tipo, y en algunas ocasiones incluso más. En los metales se emplean al menos seis trompas, y como mínimo tres trompetas, aunque no falta repertorio musical para muchas más de tres trompetas. Los trombones siguen siendo aquí tres o a veces cuatro, y en ocasiones para reforzar aún más los graves se emplean dos tubas en vez de una.

Junto a una cuerda muy numerosa, los instrumentos de percusión se emplean en esta plantilla orquestal de forma masiva, proporcionando una variedad tímbrica no utilizada hasta entonces en la orquesta. Arpa y piano se suelen incorporar también de manera permanente.

5.1 MALHER, STRAUSS, WAGNER

MALHER

Fue un compositor y director de orquesta bohemio-austriaco. Sus composiciones están consideradas entre las más importantes del postromanticismo.

En las primeras décadas del siglo XX, Gustav Mahler era considerado uno de los más importantes directores de orquesta y de ópera de su momento. Después de graduarse en el Conservatorio de Viena en 1878, fue sucesivamente director de varias orquestas cada vez más importantes en diversos teatros de ópera europeas, llegando en 1897 a la que entonces se consideraba la más notable la dirección de la Ópera de la Corte de Viena. Durante sus diez años en la capital austriaca, Mahler judío coverso al catolicismo para asegurarse su puesto sufrió la oposición y hostilidad de la prensa antisemita. Sin embargo, gracias a sus innovadoras producciones y a la insistencia en los más altos niveles de representación se granjeó el reconocimiento como uno de los más grandes directores de ópera. Posteriormente, fue director de la Metropolitan Opera House y de la Orquesta Filarmónica de Nueva York.
STRAUSS

Fue un destacado compositor y director de orquesta alemán cuya larga trayectoria abarca desde el Romanticismo tardío hasta la mitad del siglo XX. Es conocido particularmente por sus óperas, poemas sinfónicos y Lieder. Strauss, junto con Gustav Mahler, representa el extraordinario florecimiento tardío del Romanticismo germánico después de Richard Wagner, en el cual un desarrollo elaborado y complejo de la orquestación se une a un estilo armónico avanzado. La música de Strauss influyó profundamente en el desarrollo de la música del siglo XX.

WAGNER

Fue un compositor, director de orquesta, poeta, ensayista, dramaturgo y teórico musical aleman del Romanticismo. Destacan principalmente sus óperas en las que, a diferencia de otros compositores, asumió también el libreto y la escenografía.

Inicialmente fundamentó su reputación como compositor en obras como El holandés errante y Tannhäuser que seguían la tradición romántica de Weber y Meyerbeer. Transformó el pensamiento musical con la idea de la, la síntesis de todas las artes poéticas, visuales, musicales y escénicas, que desarrolló en una serie de ensayos entre 1849 y 1852, y que plasmó en la primera mitad de su monumental tetralogía El anillo del nibelungo.

5.2 STRAVINSKI: LA CONSAGRACION DE LA PRIMAVERA

La consagración de la primavera es un ballet en dos actos basado en la Rusia pagana, con música del compositor ruso Ígor Stravinski y coreografía de Vaslav Nijinsky creado para los Ballets Rusos de Sergéi Diágilev. Es una de las obras más revolucionarias y trascendentales de toda la música clásica por sus innovaciones en armonía, ritmo y timbre. Fue estrenada en París en el Théâtre des Champs-Élysées el 29 de mayo de 1913 con Pierre Monteux como director de orquesta. Tuvo gran rechazo en su época, provocando que en el segundo acto se tuviera que contener al público

6 SEGUNDA ESCUELA DE VIENA

La atonalidad y el dodecafonismo, o música serial, fueron dos formas musicales cuyo origen se situó en Viena, en la llamada Segunda Escuela, y cuyos máximos representantes fueron Anton Webern, Alban Berg y Arnold Schönberg, allá por los primeros años del s. XX. Autores de obras que marcaron un antes y después sobre una forma de hacer música que supondría la ruptura total con la tonalidad (expresión musical de escalas mayores y menores utilizada hasta entonces por todos los compositores del período clásico y romántico).

7-¿QUE ES EL IMPRESIONISMO MUSICAL?

El Impresionismo musical es un movimiento musical surgido a finales del siglo XIX y principios del XX sobre todo en la música francesa, con la necesidad de los compositores de probar nuevas combinaciones de instrumentos para conseguir una mayor riqueza en el tímbre. En el Impresionismo musical se da mucha importancia a los timbres, con los que se consiguen diferentes efectos. También se caracteriza porque los tiempos no son lineales sino que se ejecutan en sucesión de impresiones. Se relaciona de esta manera con el Impresionismo pictórico, que conseguía las imágenes mediante pequeñas pinceladas de color. Dos de los principales compositores de este movimiento son Claude Debussy y Maurice Ravel.